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二、欧洲导演的经典契诃夫演剧 1.彼得·布鲁克的《樱桃园》 彼得·布鲁克的《樱桃园》首演于1985年。1988年冬天，我在莫斯科“塔甘卡”剧院第一次看到了彼得·布鲁克导演的这个戏。那天，“塔甘卡”剧院内座无虚席，连过道上都挤满了慕名而来的观众。 舞台上似乎没有传统的“布景”，最为突出的是铺在台上的一块巨大的蓝色地毯，依旧是“空的空间”。空荡荡的舞台仅摆放着几件家具，都盖着布罩，这些细节告诉我们，主人已经很久没有回来过了。舞台左侧有一幅挂着帘子的帷幕。杜尼雅霞拿着烛台走进房间，洛巴兴迷迷糊糊地醒来，戏就这样开始了……在彼得·布鲁克的《樱桃园》中似乎看不到任何“实验”、“先锋”的痕迹。那天的演出，获得了巨大成功，戏结束时，观众持续地鼓掌、叫好，演员一次又一次地谢幕。莫斯科的观众以最高的热情为彼得·布鲁克的《樱桃园》喝彩。 时隔五六年后，我手边有了一盘彼得·布鲁克导演的《樱桃园》的录像带，再次仔细观摩，方才对彼得·布鲁克堪称精湛的演出有了更深的理解。彼得·布鲁克在谈到《樱桃园》剧本的时候曾经说： 曾经有一个阶段，认为文本应该由诗人本人自由地进行翻译，这样我们才能把握住它的情绪。而今天显得最为重要的是文本的准确性：这种方法使得我们必须对每一个词语都细为斟酌。特别是面对契诃夫的作品，这就显得更为重要，因为契诃夫最重要的特点就是准确性。[7](P.181)彼得·布鲁克虽是一个不懂俄文的英国人，但他却真正读懂了契诃夫。甚至对于有关《樱桃园》为什么是喜剧的争论，他的答案也是非常独到且极具启发性的： 不应由此得出结论，《樱桃园》要像通俗喜剧那样去排演。契诃夫是非常细心的人类喜剧的观察家。作为一名专业医生，他可以极其精准地分析人的行为表现，找出那最主要的东西，并给出诊断。尽管他并不缺少温存和同情心，但他从来不感伤。很难想象，一个医生会在自己的患者面前流泪。契诃夫懂得如何去平衡同情心与距离感。[7](P.183) 彼得·布鲁克的《樱桃园》看起来像是一段生活的自然流程，似乎没有什么特别突出的、明显的舞台调度，但他的戏却充满了内在的生命力和能量，那些看似随意的舞台剪影，实际上却又都是导演、演员精雕细琢的艺术创作。特别感人的是拉涅甫斯卡雅和加耶夫最后向樱桃园告别的一场：这两个上了年纪的兄妹，彼此偎依在一起，仿佛他们再一次地成为了孤儿，在这个荒诞冷漠的世界里，只有借彼此的身体相互取暖。 在彼得·布鲁克的《樱桃园》中，着力表达了现代人内心的孤寂，表达了人类生存境遇的荒诞。在这出戏里，每个人物都有着鲜明的个性特征，他们都热烈地渴望着生活，但是他们却不幸地活在一个荒谬、难以理喻的世界上，这正是彼得·布鲁克对于契诃夫的独特解读。 2.乔治·斯特莱尔的《樱桃园》 意大利著名导演乔治·斯特莱尔在1974年导演的《樱桃园》被称为现代舞台上契诃夫演剧的经典之作。③ 在斯特莱尔的《樱桃园》中，整个舞台是一片白色：舞台被白色的布包裹起来，在台口上方的顶部，也悬吊着白色的布(仿佛是天空一般)，上面撒着一些树叶。这里是儿童室(依契诃夫的舞台提示)：一些白色的小桌子、小椅子，地上还有儿童玩具火车……剧中人物的服装也大多是白色的。 拉涅甫斯卡雅上场了，天空中悬吊着的白色幕布飘动起来，那些树叶也飘动着：“儿童室啊，我亲爱的，漂亮的房间……”拉涅甫斯卡雅用手捂住脸，瞬间，戏剧时空一下子由写实转换为女主人公的心理时空。斯特莱尔的《樱桃园》最为突出的特征是那种内在的诗意，导演满怀诗情地捕捉着契诃夫剧本的内在情绪。我们看到，拉涅甫斯卡雅和加耶夫在这个摆着小桌椅的儿童室中，仿佛是没有长大的孩子一样，他们依旧停留在过去，他们无法理解这个冷漠的世界，更没有能力去应对即将面临的灾难。 在斯特莱尔的戏中，随处可见导演精心设计的舞台调度：比如，在第一幕，当加耶夫面对着老柜子发表那番不合时宜的演说的时候，突然，老柜子的门一下子开了，从里面掉下一些书，一堆尘土，一架儿童床车突然滚了出来，拉涅甫斯卡雅一下子抱住儿童车，抑制住内心的悲痛：她回想起了死去的小儿子，那个好看的小男孩格利沙。斯特莱尔的戏充满诗意和隐喻，而这一切又都建立在扎实的、写实性的演员表演的基础上。 当戏结束的时候，所有的人都同时穿上了黑色的大衣，仿佛在参加葬礼一样，这时候，我们感觉到，似乎那死神的翅膀突然降临在活人的头顶上。 3.彼得·施泰因的《三姐妹》和《樱桃园》 1989年，德国导演彼得·施泰因带着他的《三姐妹》第一次来到莫斯科。之后，1990年6月，彼得·施泰因的《三姐妹》再次应邀访问莫斯科。 我至今仍然记得1989年在莫斯科艺术剧院观看彼得·施泰因的《三姐妹》的情形。戏长达三个半小时，导演似乎是想要恢复“过去的”演剧传统，每演完一幕，都有幕间休息。戏从晚上7点开始，一直演到夜里11点多。 戏演得精彩极了，每一次幕间休息的时候，观众都会彼此交流一下自己的感受，他们纷纷赞叹德国人居然能把契诃夫的戏演得这么好！剧中人物的那种内心苦闷深深地震撼了观众。 第四幕开场时，大幕拉开，剧场里静极了，静得甚至能听到呼吸的声音。那种安静大约持续了一分钟，然后，忽然地，观众席里响起了潮水般的掌声！大家被舞台上的景致震撼了！德国人似乎把一片真正的树林活生生地搬上了舞台！那不是布景，而是一片真正的树林！前三幕戏，那种庸俗的生活似乎把三姐妹完全吞噬了，观众不仅从心理上，甚至从生理上都感觉到那种生活的压抑和苦闷。这时候，舞台上的这片色彩斑斓的树林，终于让大家透了一口气！“到莫斯科去！”这不仅是三姐妹的内心台词，甚至成为了观众的内心呼喊。 我想用“新写实主义”这个概念来定义彼得·施泰因的这出《三姐妹》。舞台上的一切似乎都是那么地“逼真写实”：那带有白色圆柱的客厅，墙壁上贴着绿色的墙纸，舞台的左侧放置着一架名贵的钢琴，古老的沙发，精致的躺椅，透过明亮的窗户，可以看到屋外依然光秃秃的树枝(这是5月，树还没有长出枝叶)，早晨可以听到园子里鸟雀的啼鸣…… 彼得·施泰因的《三姐妹》中，日常生活的平淡无聊与节日的华丽色彩奇异般地结合在一起。三姐妹中的妹妹伊莉娜成为了戏里的中心人物。彼得·施泰因刻意地使她和周围的人区别开来，在这个戏中，只有她是动态的人物。周围的人似乎都在平庸的生活中由于惰性慢慢地沉寂下去，只有伊莉娜一直在渴望着新的生活，在变化着，运动着。一方面，她似乎像孩子一样天真；另一方面，她却又是剧中唯一真正严肃地面对生活的人。 戏中精彩的舞台调度随处可见。比如，在第一幕，大家开始围着饭桌吃午饭之前，韦尔希宁忽然走到台前，拿出一只陀螺，旋转起来。这时候，所有的人，都从饭桌旁站起身来，默默地注视着地上那只旋转的陀螺，每个人都沉默着，都在想着自己的生活，猜测着自己的命运…… 在彼得·施泰因的《三姐妹》中，我们可以感受到一种深深的忧郁和苦闷，这忧郁和苦闷包围着契诃夫剧中的人物，同时，也包围着我们——剧场里的观众。在此，导演以一种冷峻的目光审视着现代人的心灵生活，他通过契诃夫的剧作，为我们揭开了现代人生活中那种无处不在的孤独和寂寞。 几年之后，彼得·施泰因把契诃夫的《樱桃园》搬上了舞台。1992年10月，在莫斯科举行的第一届“契诃夫戏剧节”上，我有幸观摩了这台《樱桃园》。 这一次，彼得·施泰因依旧延续了在《三姐妹》中的那种“新写实主义”的舞台风格。无论是拉涅甫斯卡雅家的居室环境，还是第二幕的旷野，舞台上的一切依然是那么“逼真”：在第二幕，舞台上铺满了稻草，坐在观众席里，甚至可以嗅到稻草的清香。 舞台设计家卡尔·格尔曼与导演一同将戏中的儿童室、田野变成了富有魔力的戏剧空间。在彼得·施泰因的戏剧中，写实主义的演出同时又蕴含着内在的诗意。施泰因似乎是在悲剧、喜剧、田园诗和闹剧的广阔视野中排演了《樱桃园》一剧。这是一首关于在时间的流逝中渴望变化，同时又承受变化的痛苦的戏剧诗。 上述这几位欧洲导演所排演的契诃夫戏剧，已成为当代舞台上契诃夫演剧的经典。他们有着不同的艺术个性和艺术风格，其美学追求也各不相同，他们排演的契诃夫戏剧，丰富了我们对于契诃夫剧作的理解，启发我们去反思当代人的问题和生存的困境。 (责任编辑：admin) |